Tarahumara

Hace más de 50 años, Bob Schalkwijk llegó a nuestro país, donde emprendió un viaje de un mes a la Sierra Tarahumara, sin embargo, confesó el artista holandés durante la inauguración de la muestra, aún no ha regresado realmente.

Bob Schalkwijk "Valle".- Naráchi_Enero de 1974

 Casi siete mil fotografías de la Sierra Tarahumara integran la colección que Schalkwijk ha logrado consolidar a lo largo de estos años y la exposición reúne una selección de 35 imágenes que muestran la interacción de los rarámuri con la naturaleza, pero también en su vida cotidiana, sus festividades, su gastronomía y los paisajes donde habitan.

Bob Schalkwijk "Danza de Matachines en el atrio del templo".- Naráchi_Enero de 1974

 Alejandra Frausto, directora general de Culturas Populares de la Secretaría de Cultura, destacó que Tarahumara es un homenaje al trabajo de Bob Schalkwijk, que muestra una mirada acuciosa de más de 50 años, la cual nos hace conocer con sutileza y respeto una de las regiones más apartadas y peculiares de nuestro país.

Museo Nacional de Culturas Populares

Av Miguel Hidalgo No.289

Coyoacán, Del Carmen, 

04000 Ciudad de México, D.F.

EL ARTE DE LA MÚSICA

La exposición que organiza el Museo del Palacio de Bellas Artes, en colaboración con el Museo de Arte de San Diego, es una exploración multifacética sobre el diálogo entre el arte y la música, así como un repertorio de formas que los artistas visuales han desarrollado a partir de sus elementos.

Salvador Dalí (España, 1904-1989) PROYECTO PARA ROMEO Y JULIETA, 1942

La muestra y el catálogo que la acompaña, pretenden acercar al público a los enfoques y análisis teóricos sobre la influencia de la música en el arte.

El arte de la música presenta una perspectiva interdisciplinaria sobre las coincidencias y diferencias conceptuales que han existido entre la imagen y el sonido a lo largo del tiempo.

John Baldessari, La trompeta de Beethoven (con oreja). Opus 127, 2007. ©Produced by Beyer Projects Edition of 6

 Asimismo, aborda las conexiones musicales entre las artes de Asia, África, el continente americano y Europa desde la antigüedad hasta nuestros días.

Vasili Kandinsky(Rusia, 1866-1944).- MUNDOS PEQUEÑOS 1, 1922

Los artistas plásticos han buscado representar la música retratando actividades humanas que involucran rituales y escenas cotidianas, pero también esta intención ha llegado a la interpretación y mezcla de los lenguajes visuales y sonoros en los que la forma y sus apariencias trascienden la narrativa visual.

Museo del Palacio de Bellas Artes
Eje central Lázaro Cárdenas
esquina con avenida Juárez s/n
Centro de la Ciudad

De Rubens a Van Dyck

La exposición está conformada por 59 piezas, entre óleos y grabados de artistas de la talla de Peter Paul Rubens, Anton van Dyck, Martin de Vos, Víctor Wolfvoet, Jan de Beer, Joost de Momper El Joven y de Jan Brueghel El Viejo, entre otros.

De Rubens a Van Dyck. La pintura flamenca en la colección Gerstenmaier presenta tres núcleos temáticos: religión, mitología y naturaleza muerta y paisaje. El espectador podrá conocer obras maestras llenas de detalles, con un espléndido manejo de los colores, así como maravillosos grabados, piezas todas con más de 400 años de antigüedad.

 

Puente de Alvarado 50

Tabacalera, 

Cuauhtémoc

Ciudad de México, D.F.

The Boy Who Drew Cats

A LONG, long time ago, in a small country-village in Japan, there lived a poor farmer and his wife, who were very good people. They had a number of children, and found it very hard to feed them all. The elder son was strong enough when only fourteen years old to help his father; and the little girls learned to help their; mother almost as soon as they could walk.

But the youngest child, a little boy, did not seem to be fit for hard work. He was very clever,-cleverer than all his brothers and sisters; but he was quite weak and small, and people said he could never grow very big. So his parents thought it would be better for him to become a priest than to become a farmer. They took him with them to the village-temple one day, and asked the good old priest who lived there, if he would have their little boy for his acolyte, and teach him all that a priest ought to know.

The old man spoke kindly to the lad, and asked him some hard questions. So clever were the answers that the priest agreed to take the little fellow into the temple as an acolyte, and to educate him for the priest hood.
The boy learned quickly what the old priest taught him, and was very obedient in most things. But he had one fault. He liked to draw cats during study-hours, and to draw cats even where cats ought not to have been drawn at all.
Whenever he found himself alone, he drew cats. He drew them on the margins of the priest's books, and on all the screens of the temple, and on the walls, and on the pillars. Several times the priest told him this was not right; but he did not stop drawing cats. He drew them because he could not really help it. He had what is called "the genius of an artist," and just for that reason he was not quite fit to be an acolyte;-a good acolyte should study books.
One day after he had drawn some very clever pictures of cats upon a paper screen, the old priest said to him severely: "My boy, you must go away from this temple at once. You will never make a good priest, but per haps you will become a great artist. Now let me give you a last piece of advice, and be sure you never forget it. Avoid large places at night;-keep to small!"
The boy did not know what the priest meant by saying, "Avoid large places;-keep to small." He thought and thought, while he was tying up his little bundle of clothes to go away; but he could not understand those words, and he was afraid to speak to the priest any more, except to say good-by.
He left the temple very sorrowfully, and began to wonder what he should do. If he went straight home he felt sure his father would punish him for having been disobedient to the priest: so he was afraid to go home. All at once he remembered that at the next village, twelve miles away, there was a very big temple. He had heard there were several priests at that temple; and he made up his mind to go to them and ask them to take him for their acolyte.
Now that big temple was closed up but the boy did not know this fact. The reason it had been closed up was that a goblin had frightened the priests away, and had taken possession of the place. Some brave warriors had afterward gone to the temple at night to kill the goblin; but they had never been seen alive again. Nobody had ever told these things to the boy;-so he walked all the way to the village hoping to be kindly treated by the priests!
When he got to the village it was already dark, and all the people were in bed, but he saw the big temple on a hill at the other end of the principal street, and he saw there was a light in the temple. People who tell the story say the goblin used to make that light, in order to tempt lonely travelers to ask for shelter. The boy went at once to the temple, and knocked. There was no sound inside. He knocked and knocked again; but still nobody came. At last he pushed gently at the door, and was quite glad to find that it had not been fastened. So he went in, and saw a lamp burning,-but no priest.
He thought some priest would be sure to come very soon, and he sat down and waited. Then he noticed that everything in the temple was gray with dust, and thickly spun over with cobwebs. So he thought to him self that the priests would certainly like to have an acolyte, to keep the place clean. He wondered why they had allowed everything to get so dusty. What most pleased him, however, were some big white screens, good to paint cats upon. Though he was tired, he looked at once for a writing-box, and found one, and ground some ink, and began to paint cats.
He painted a great many cats upon the screens; and then he began to feel very, very sleepy. He was just on the point of lying down to sleep beside one of the screens, when he suddenly remembered the words, "Avoid large places;-keep to small!"
The temple was very large; he was all alone; and as he thought of these words,-though he could not quite understand them-he began to feel for the first time a little afraid; and he resolved to look for a small place in which to sleep. He found a little cabinet, with a sliding door, and went into it, and shut himself up. Then he lay down and fell fast asleep.
Very late in the night he was awakened by a most terrible noise,-a noise of fighting and screaming. It was so dreadful that he was afraid even to look through a chink of the little cabinet: he lay very still, holding his breath for fright.
The light that had been in the temple went out; but the awful sounds continued, and became more awful, and all the temple shook. After a long time silence came; but the boy was still afraid to move. He did not move until the light of the morning sun shone into the cabinet through the chinks of the little door.
Then he got out of his hiding-place very cautiously, and looked about. The first thing he saw was that all the floor of the temple was covered with blood. And then he saw, lying dead in the middle of it, an enormous, monstrous rat,-a goblin-rat,-bigger than a cow!
But who or what could have killed it? There was no man or other creature to be seen. Suddenly the boy observed that the mouths of all the cats he had drawn the night before, were red and wet with blood. Then he knew that the goblin had been killed by the cats which he had drawn. And then also, for the first time, he understood why the wise old priest had said to him, "Avoid large places at night;-keep to small."
Afterward that boy became a very famous artist. Some of the cats which he drew are still shown to travelers in Japan.

The text originally came from:

Hearn, Lafcadio, translator. Japanese Fairy Tales: The Boy Who Drew Cats. Tokyo: T. Hasegawa, 1898.

Los modernos

Esta exposición ofrecerá al público un panorama general sobre el desarrollo del arte moderno durante el siglo XX, a partir de una selección de más de 140 obras provenientes tanto del acervo del Museo de Bellas Artes de Lyon, Francia, como del Museo Nacional de Arte, y la participación de otras importantes colecciones.

A partir de nueve núcleos temáticos, se resaltarán las aportaciones estéticas impulsadas por los movimientos artísticos de vanguardia, que de manera simultánea y en diversas latitudes, coincidieron en las mismas preocupaciones sobre el rechazo a la tradición figurativa de representación naturalista y la exaltación de la materia como condición esencial de un nuevo lenguaje pictórico.

Tacuba 8, Centro Histórico, Ciudad de México

Javier Marín en Terra, la materia como idea

La muestra pretende aproximar al visitante a la obra del escultor desde su materialidad, entendida como concepto, como idea central en su producción artística, ésta, en su gran mayoría, tridimensional por tratarse de esculturas.

Las piezas ocupan físicamente un espacio que es su contenido más obvio y expresivo. De ahí que su monumentalidad, la textura de los cuerpos fragmentados, los rasgos exagerados de las cabezas, atraigan el ojo del espectador a la obra de este artista visual y, muchas veces, provoquen que se detenga ahí.

No obstante, esta exposición pretende acercarse a la obra de Javier Marín como él mismo lo hace: convirtiendo la materialidad en la idea central de su producción artística. La presencia absoluta de los materiales no es en sí lo central en la obra, sino esa materialidad entendida como concepto: la materia como evidencia de la idea.

Antiguo Palacio de Iturbide

Francisco I. Madero 17

Colonia Centro, Ciudad de México

Javier Marín. Corpus

La belleza de lo imperfecto

La exposición Javier Marín. Corpus, curada por el Mtro. Ery Camara, Coordinador de Exposiciones del Antiguo Colegio de San Ildefonso, retoma el concepto de proceso como eje discursivo. Desde esta aproximación, la muestra invita al espectador a detener su mirada no sólo en la obra terminada, sino en los pasos intermedios entre la concepción y la realización de la misma; aspectos que delatan la técnica, la utilización de distintos materiales y, sobre todo, la idea.

Antiguo Colegio de San Ildefonso

Justo Sierra 16,

Centro Histórico de la Ciudad de México

The Beatles: ayer, hoy y mañana

 La exposición The Beatles: ayer, hoy y mañana, está integrada por 500 piezas alusivas al Cuarteto de Liverpool.

El visitante podrá admirar artículos de colección como carteles, discos, revistas, juguetes y otros objetos de uso cotidiano que fueron adquiridos por los fanáticos durante los primeros años de la Beatlemanía.

Museo Soumaya Plaza LoretoAv. Revolución , Esquina con Eje 10 Sur Río MagdalenaCol. TizapanC.P. 1090, Deleg. Alvaro ObregónMéxico, Distrito Federal

Lee Miller. Fotógrafa surrealista

Lee Miller es una de las más reconocidas fotógrafas de la vanguardia
surrealista y en cierto modo, una de las más sólidas figuras femeninas
en la escena artística de su momento.

Nacida en 1907, en Nueva York, Miller comenzó a trabajar como modelo.
 A los 27 años se mudó a París y entró en contacto Man Ray, cuya influencia
fue determinante en su trabajo. Trabajó para la revista Vogue y dos años
después se casó con un empresario egipcio con quien vivió en El Cairo hasta
1939.

Su segundo matrimonio con Roland Penrose la llevó a Londres en 1939.
A un año de terminar la II Guerra Mundial, Miller obtuvo acreditación
como corresponsal de guerra, acompañando a la armada de Estados Unidos
 y convirtiéndose quizás en la única mujer cubriendo la línea de fuego.
Al terminar la guerra, volvió al retrato de celebridades y a artistas como
Picasso, Antoni Tàpies y Joan Miró.

Museo de Arte Moderno
Paseo de la Reforma , Esquina con Gandhi
Col. Polanco V Sección
C.P. 11560, Deleg. Miguel Hidalgo
México, Distrito Federal

El retorno de la serpiente. Mathias Goeritz y la invención de la arquitectura emocional.

La muestra pretende ofrecer una lectura original y rigurosa del trabajo de este artista alemán exaltando el valor visual, plástico y procesual de sus propuestas teóricas y estéticas, desarrolladas desde su llegada a México en 1949. El principio sobre el que se articula el discurso expositivo es el de la “arquitectura emocional”, planteado por Goeritz en su artículo homónimo (1954), y que se convirtió en el eje dinamizador y fundamento teórico y estético de su trabajo realizado en el contexto de la Guerra Fría. Con él apelaba a la necesidad de idear espacios, obras y objetos que causaran al hombre moderno una máxima emoción, frente al funcionalismo, el esteticismo y la autoría individual.

En México, Goeritz condensó sus principios estéticos con la formulación de un arte público diferente, a partir de un lenguaje sintético y soluciones geométricas asociadas a la idea de modernidad y progreso económico. También incorporó a su obra escalas colosales, articuladas a una estética de conmoción del espectador, arraigada en sus años formativos alemanes en los que la estetización de la política conformó un sedimento sensible presente en su planteamiento de arquitectura emocional. Sin restringirse a la construcción de edificios y pudiendo integrar pintura, escultura, gráfica o poesía visual, su obra sirvió como dispositivo durante la Guerra Fría para confrontar al arte figurativo y de mensaje que a mediados del siglo XX predominaba en la escena mexicana.

El arte de Goeritz es un arte estratégico, de agitación cultural; un arte constructor de espacialidades en las cuales se establecen nuevas relaciones y sentidos. Un arte de mediaciones que incorpora las instancias donde éste circula o se valida (Museo Experimental El Eco); que recurre a las formaciones artísticas (el grupo Los hartos); que utiliza la historia y los grandes sistemas de creencias (la serpiente y la pirámide; la cruz y la estrella de David); y que combina la actividad del artista con la del intelectual que escribe y opina sobre arte.

Palacio de Cultura Banamex
Palacio de Iturbide

Madero 17, Centro Histórico

World Press Photo 2015

Muestra de los ganadores del concurso de fotoperiodismo más importante a nivel internacional, organizado por la fundación holandesa World Press Photo. Es una exposición fotográfica en donde nos muestran imágenes que dan un reflejo de la sociedad y sus problemas políticos, culturales, étnicos, además de eventos deportivos, entre otros. 

 

Museo Franz Mayer
Av. Hidalgo 45
C.P. 06300, 

México, D.F.

Recuerdan seis exposiciones las consecuencias humanas y sociales del sismo de 1986

• Como parte del homenaje A 30 años del sismo en los próximos días se inaugurarán las muestras 19 / 09 1985 / 07:19 y Réplicas en el Museo de la Ciudad de México

• Los días del terremoto abrirá en el Museo del Estanquillo; Ciudad en vilo, en las Rejas de Chapultepec; Nuestro Terremoto, en el Museo Archivo de la Fotografía, y A talachearle juntitos… en la Galería Abierta del Museo Panteón San Fernando

¿Cuáles han sido las consecuencias de los sismos de 1985 en la Ciudad de México? ¿Cuál su impacto social? ¿Qué se guarda en la memoria? ¿Qué sentimientos afloraron y afloran? ¿Qué papel desempeñó la sociedad civil ante el pasmo del gobierno frente a la tragedia? ¿Qué influencia tuvieron aquellos días dolorosos en la identidad y la solidaridad de los mexicanos? Cuestiones como éstas y muchas otras se abordan en las seis exposiciones que ha organizado la Secretaría de Cultura capitalina en diferentes recintos para recordar esos sucesos aciagos.

Como parte del homenaje A 30 años del Sismo, realizado por el Gobierno de la Ciudad de México, a través de la Secretaría de Cultura en los próximos días se inaugurarán las muestras 19 / 09 1985 / 07:19. A 30 años del sismo. Emergencia solidaridad y Cultura política, y Réplicas. El imaginario colectivo del sismo/1985, en el Museo de la Ciudad de México; Los días del terremoto, en el Museo del Estanquillo, Colecciones Carlos Monsiváis; Ciudad en vilo, en la Galería Abierta de las Rejas de Chapultepec; Nuestro Terremoto, en el Museo Archivo de la Fotografía, y A talachearle juntitos… ¡Por el cantón y la esperanza!, en la Galería Abierta del Museo Panteón San Fernando.

La Máscara de Calakmul.

Universo de jade

Una máscara funeraria, procedente de la Tumba 1 de Calakmul, en Campeche, hecha de mosaicos de jade, concha y obsidiana gris, la cual data de entre 660 y 750 d.C., es la pieza central de esta exhibición, con la cual inicia una serie de exposiciones temporales denominadaUna pieza, una cultura.
Las dos primeras salas de esta muestra se consagran a una experiencia que apela a los sentidos del público, mediante recursos visuales, sonoros y museográficos, que generan un espacio lírico. El espectador podrá sumergirse en una bóveda celeste para luego pasar a una sala donde las técnicas de animación recrean la selva y el mundo maya.

 

Museo Nacional de Antropología
Paseo de la Reforma y Gandhi
Bosque de Chapultepec s/n
Esquina con Gandhi

Fatal Attraction

Piotr Uklański Photographs 

Desde emergente en la década de 1990, la artista neoyorquina Piotr Uklański (nacido Polonia, 1968) ha trabajado con una amplia variedad de materiales, desde collages llamativos hechos con virutas de lápiz y ensamblajes abigarradas de fibra y vajilla de pinturas realizadas con tie-dye o pegotes de resina de colores brillantes. Esta exposición, la primera para estudiar fotografía de Uklański, localiza su trabajo con la cámara en el centro de su práctica artística. Deleitándose con los lenguajes artísticos moribundos o marginales de una posición a la vez irónica y sincera, el artista subvierte simultáneamente y rinde homenaje a los modos de difuntos de expresión.

De Uklański subestimado pero históricamente significativa serie La alegría de la Fotografía (1997-2007) explora clichés de la fotografía popular utilizando los temas cursis y efectos de manidos de manual práctico para el aficionado serio Eastman Kodak. Mientras que los artistas de la década de 1980 como Richard Prince se apropiaron de este tipo de imágenes, fotografiando a revelar su naturaleza construida, Uklański ellos rehizo de una manera similar a versiones ligeramente irreverentes de canciones que ponen en evidencia aspectos ocultos o reprimidos de su material de origen. De esta manera, el artista reconoce tanto juego final-que de apropiación no hay nuevas fotos bajo el sol mientras se crea un espacio 

 

 

Go to Gallery Piotr-uklanski 

Henri Cartier-Bresson. La mirada del siglo XX

El Museo del Palacio de Bellas Artes en colaboración con el Centro Pompidou y la Fundación Cartier-Bresson, presenta la primera gran retrospectiva del artista francés, tras su muerte en 2004, que permite abrir múltiples miradas que abarcan desde el Surrealismo, la Guerra Civil Española, la II Guerra Mundial, la descolonización hasta sus trabajos en México, donde se revelan sus recorridos por los barrios de La Lagunilla y La Merced.

La muestra cuenta con más de 400 piezas del quehacer del artista, entre las que destacan fotografías, películas, collages, dibujos, pinturas y periódicos entre otros, convirtiéndose en uno de los más completos recorridos por el peregrinar creativo del llamado genio, cazador y eterno vagabundo de la imagen, Henri Cartier Bresson

 

 Palacio de Bellas Artes

Av. Juárez S/N , Esquina con Eje Central Lázaro Cárdenas
Col. Centro

Landscapes of the Mind

El British Council y el Museo Nacional de Arte (MUNAL), presentan por primera vez en México, la extraordinaria colección de paisajismo británico de Tate Britain, una de las galerías de arte más importantes del mundo. La exhibición explora la evolución de los grandes artistas británicos y su contribución al arte europeo. Así mismo nos muestra porque el paisajismo fue la expresión visual más importante del Reino Unido.

Landscapes of the Mind presenta una oportunidad única para el público mexicano para apreciar en vivo y a todo color las obras de Turner, Constable, Burra, Gainsborough, Stubbs y Hockney, entre todos.

 

Museo Nacional de Arte (Munal)
Tacuba 8
C.P. 6010, Deleg. Cuauhtémoc

Consumption. Prix Pictet

Consumption (Consumo). Prix Pictet es una muestra que reúne a los once finalistas del 5to ciclo del premio fundado en el 2008 por el Grupo Pictet, un banco suizo de inversiones y gestión de patrimonio privado establecido en 1805.

Desde su creación, el Prix Pictet se ha centrado en la promoción de la fotografía que trata cuestiones de sostenibilidad, en especial las relativas al medio ambiente. El agua, la tierra, el crecimiento y el poder son temas que afectan a la humanidad entera y causan controversia hoy en día. Este año el concurso se centró en el consumo.

Cerca de 70 de los fotógrafos más reconocidos del mundo han sido finalistas para el Prix Pictet, entre los cuales se incluye a cuatro ganadores: Benoît Aquin, Nadav Kander, Mitch Epstein y Luc Delahaye.

275 seleccionadores de 66 países participaron en la evaluación del trabajo de 700 fotógrafos de todo el mundo. A principios de mayo, Michael Schmidt fue nombrado el ganador de Consumption por Kofi Annan, el Presidente Honorario de Prix Pictet, en el Victoria & Albert Museum de Londres por su serie monumental sobre la industria de comida, Lebensmittel.

Museo Nacional de Arte (Munal)
Tacuba 8 
C.P. 6010, Deleg. Cuauhtémoc

500 años de Copérnico

El Museo Tecnológico de la CFE y Físicos, Astrónomos, Mexicanos y Asociados (FAMA) se unen a la celebración de los 500 años de la publicación de Nicolás Copérnico,  “Commentariolus” o pequeño comentario, que se lleva a cabo en México de mayo 2014 a mayo 2015.

En esta Obra, Copérnico expone su teoría Heliocéntrica y se convierte en pieza fundamental para el nacimiento de la Astronomía Moderna y cuya teoría la continuó el astrónomo italiano Galileo Galilei.

Recorre el inicio de la historia de la Astronomía en esta exposición gráfica  500 años de Copérnico  compuesta por dos colecciones de 21 cédulas cada una, en la explanada de este museo en dos períodos de exhibición: de “julio  a octubre de 2014” y de “noviembre 2014 a mayo 2015”.

El Museo Tecnológico de la Comisión Federal de Electricidad

Avenida Grande del Bosque s/n
2a. Sección del Bosque de Chapultepec,
Del. Miguel Hidalgo, CP 11870, México, D.F.

Canción de cuna para un niño muerto. Colectiva Pintura, escultura y dibujo

Inspirada en la fotografía decimonónica de los niños muertos conocidos como “angelitos”, se presenta una muestra colectiva que retoma la temática, considerando la estética de la muerte de los infantes como una visión que la compara con el sueño.

Museo de Arte de la SHCP. Antiguo Palacio del Arzobispado
Moneda 4 , Esquina con Lic. Primo Verdad
C.P. 6010, Deleg. Cuauhtémoc

Del impresionismo a las vanguardias

El paisaje ha sido fuente de inspiración poética y costumbrista, siempre vinculado con la diversidad de latitudes, climas y regiones. Escenas que a veces también reflejan la vida cotidiana en diálogo con la naturaleza; donde el hombre se inserta como elemento primordial de la creación. 

En él se representa también la esencia del individuo, la conciencia del origen, la matriz de antiguas mitologías y tradiciones. En palabras del artista holandés Vincent van Gogh: […] No conozco mejor definición de la palabra arte que ésta: «El arte es el hombre añadido a la naturaleza».

Museo Soumaya Plaza Carso - Sala 6
Blvd. Miguel de Cervantes Saavedra 303
Col. Ampliación Granada
C.P. 11529, Deleg. Miguel Hidalgo
México, Distrito Federal